Note : * * * * * *   *

« Blue Far » de Kira Perov Autoproduction (2011)

Avant de connaître sa musique, c’était son pseudo qui m’était familier, via ses commentaires sur de nombreux blogs. Joseph Ghosn en a aussi parlé, lui commandant un album inédit pour son blog, trouvable nulle part ailleurs. Pour le télécharger, suivre ce link. Et le résultat, le voici : « Blue Far », premier « vrai » album auto-produit de Kira Perov. Intrigué, j’ai téléchargé ce disque que j’ai écouté attentivement. Mais peut-on encore parler de disque quand il n’existe pas physiquement ??? Bref, la séduction fut immédiate.

« Blue Far », c’est :

_ Sept somptueux morceaux ou sept plages sonores à la douceur élégiaque.

_ Une musique atmosphérique et mélancolique naviguant dans des eaux contrastées, entre ambiant hypnotique, électronica bourdonnante, techno contemplative, pop avant-gardiste, krautrock, drone, dérives noisy, influence de musique ethnique et orientale.

_ Une alliance subtile et réussie entre les sonorités, les ambiances, les rythmiques ainsi que les mélodies.

Les rythmes alternent entre : absence, break-beat épars, cadences tribales et fragments de beats métronomiques telle une pulsation primale (rythme cardiaque) !

Les sons, extrêmement fouillés et recherchés, sont empilés progressivement, couche après couche, pour créer des ambiances planantes et méditatives. Mais ces atmosphères contemplatives à l’apparence tranquille peuvent être traversées de fulgurances noisy où les sons deviennent saturés. Alors, en pleine dérive bruitiste, sa musique résonne en un silence assourdissant.

Kira Perov construit sa musique passionnément, travaillant sa matière sonore artisanalement, tel un poète du bruit musical.

Malgré que ce soit un « premier » album, on sent qu’il possède déjà un univers bien à lui, extrêmement fouillé, référencé, nourri et balisé. Mais sa musique dégage aussi un fort pouvoir onirique, comme si son univers, pourtant très personnel, était stimulateur d’imaginaire. Au lieu d’enfermer l’auditeur, elle lui laisserait la porte grande ouverte avec quand même en fond un décor très précis.

Perso, j’ai laissé facilement vagabonder le mien, créant ainsi mes petites histoires sur chacun des différents morceaux. Sur « Cameo » par exemple, j’imagine sa mélodie pop répétitive (quelques accords de guitare) provenir d’un manège endiablé de chevaux de bois qui tournerait sans cesse au son de cet air entêtant et infini. Une mécanique cassée, usée et rouillée mais qui fonctionnerait encore, forcément bancale…..Et ainsi de suite pour chaque titre, modifiant un peu ou carrément mes historiettes à chacune des écoutes. 

 Cette œuvre, j’aime m’y plonger souvent le soir, au casque dans mon lit, compagne de mes nuits. Depuis sa découverte, elle m’accompagne en me prenant la main lors de mes voyages oniriques et dans mes divagations mentales nocturnes.

Pour toutes ces raisons, et tant d’autres beautés que je n’ai su exprimer, il faut que vous téléchargiez (si ce n’est déjà fait) « Blue Far » de Kira Perov. Et c’est tellement excitant de suivre les premiers pas discographiques (je dis bien discographique) d’un artiste, surtout quand il est si prometteur. L’avenir de la « French Touch indie », notre créateur d’ambiant drone psychédélique à la Not Not Fun français ! 

Et si par le plus grand des hasards un responsable d’un label lis ce modeste papier, alors écoutez « Blue Far » encore plus attentivement. Kira Perov mérite largement d’être signé pour pouvoir créer un prochain album dont la production serait à la hauteur de ses compositions. A bon entendeur salut !!!!

Et autre titre, hors de l'album "Blue Far", le chamanique "Time Now" (dark psychédélisme, rythme métronomique krautrock, mélodie et vagues sonores envoutantes, répétitivité hypnotique)

« Lazer Guided Melodies » de Spiritualized (1992) Dedicated

Ma note : * * * * * *  *

J’ai souvent exprimé mon amour, voir mon obsession, pour les Spacemen 3 sur ce blog (notamment ici 2010, les Spacemen 3 et moi... ). En réalité, ce sont les Spiritualized que j’ai découvert en premier (groupe de Jason Pierce) lesquels m’ont amené aux Spacemen 3. Ainsi, en explorant leur univers, c’était comme une quête des origines, aller au commencement de l’histoire….….Mais aujourd’hui, retour vers le futur car c’est de « Lazer Guided Melodies » dont je vais parler, le premier LP de Jason Pierce (alias J.Spacemen) après la fin houleuse des Spacemen. 

C’est donc un nouveau départ que prend Pierce en formant Spiritualized sans son ex-camarade Sonic Boom (Peter Kember). Dès ce premier album, les bases essentielles du son Spiritualized sont posées :

• Un space rock / shoegaze psychotrope à base de dream pop sous valium coupée avec des restes héroïnés de blues et de gospel (une passion de Pierce).
• Un néo psychédélisme alternant de longs passages de guitares et de claviers planants avec des fulgurances plus sauvages, plus rock (guitares plus tranchantes).
• De somptueuses mélodies, sorte d’arabesques à la délicatesse extrême.
• Et au milieu de cette « matière sonore » émergent des chœurs éthérés et la voix rauque, bluesy et droguée de Jason Pierce. 

Spiritualized est la création de Pierce, c’est son groupe, son bébé.

Mais il n’est pas seul à bord de ce vaisseau Space rock. Pierce (guitares, voix) a embarqué d’autres très bon musiciens : Mark Refoy (guitares, chœurs), Will Carruthers (basse), Jonny Mattock (batterie) et Kate Radley (claviers). Et pour cette première odyssée sonique, il a également convié des cuivres (trompette, flute et saxophone) et des cordes (violon et violoncelle). Ils apportent un souffle épique, une finesse et un raffinement supplémentaire à l’ensemble.

Deux futurs classiques de Spiritualized, souvent joués sur scène depuis, se trouvent sur ce premier disque : « I want you » et « Shine a light ». Mais les autres titres sont tout aussi pertinents et réussis.

Le planant et introductif « You know it's true », le plus énergique « If i were with her now » avec sa montée où résonnent les cuivres, « Run » avec sa basse au son fuzz et ses chœurs psychés. « Symphony space » porte bien son titre car c’est une véritable symphonie cosmique, tout comme le suivant « Take your time », mais lui terminant en chaos sonique…..................

 Chaque morceau est une enluminure sonore savamment ciselée, une ode psychédélique au voyage, au cosmos et à l’humain. Contraste des extrêmes sans aucune contradiction. L’immensément grand (cosmos, voyage spatial) côtoie l’infiniment petit (humain, voyage intérieur).

Pour la production, c’est Jason Pierce en personne qui s’en est occupé, tout comme l’écriture, les arrangements, les orchestrations, le chant et ses parties guitares. Quand je vous disais que ce groupe était « sa création » !! 

Certains me diront que ce disque n’est pas le meilleur de Spiritualized et ils auront peut être raison. « Ladies & Gentlemen, We are Floating In Space » (1997) est souvent considéré comme leur « Grand Œuvre », à juste titre.

Malgré tout, « Lazer Guided Melodies » est leur album qui me touche le plus, celui qui me fait le plus voyager dans cet univers cotonneux. J’y trouve une sorte de pureté. Est-ce dut au fait que c’était le premier album de Spiritualized ?….Peut être !

Il est des choses que l’on ne peut s’expliquer et expliquer, fort heureusement d’ailleurs. N’est-ce pas un peu cela, la magie poétique de la création artistique ????? 

« Wander / Wonder » de Balam Acab Tri Angle (2011)

Note : * * * * * *   *

Depuis fin aout, j’écoute régulièrement sans aucune lassitude et toujours avec beaucoup d’émotions, souvent le soir au casque dans mon lit « Wander / Wonder ». Cet album devient alors un compagnon de nuit idéal. Son auteur ? Balam Acab ou Alec Koone de son vrai nom, jeune producteur américain de 20 ans n’ayant à son actif qu’un seul EP («  See Birds ») avant ce superbe disque.

La magnifique pochette de « Wander / Wonder » pourrait parfaitement résumer visuellement son contenu : Une percée lumineuse bleutée dans une immense obscurité, comme une lumière venant du fin fond de l’océan, imagerie onirique ! Ok, mais concrètement, ça donne quoi ?

 D’obédience électronique lo-fi, cette musique tend vers un dubstep sous tranxène, de l’ambiant mélancolique et poétique, de l’electronica aquatique, une dream pop atmosphérique et un psychédélisme hypnotique.

Dans cet album court (36 min), ses 8 morceaux ne semblent faire qu’un seul bloc dont il est difficile d’en extraire un titre plus que les autres. Balam Acab a réussi à créer une œuvre d’une cohérence totale. Mais plus qu’un simple album, c’est un véritable voyage sonore que l’on parcourt comme hypnotisé, fasciné par tant de beauté et de recherches soniques. On plonge dans cet univers comme les héros du film « Le grand bleu » dans l’océan. On s’imagine nageant en apnée dans les profondeurs, observant les innombrables beautés qui apparaissent au fur et à mesure que le disque avance.

J’ai souvent lu ça et là des comparaisons au producteur anglais Burial. Perso, je n’avais pas fait le rapprochement mais si je devais les comparer, ce serait alors un Burial plus lumineux, lo-fi et beaucoup moins déshumanisé, moins urbain aussi.

Dans l’univers de Balam Acab, on trouve pêle-mêle : des ambiances cotonneuses, des claviers analogiques, des fragments épars de rythmiques délicatement posées ainsi que des voix éthérées, des sonorités aquatiques et cristallines remplies de grésillements et de saturations…..

C’est un grand trip cosmique, un voyage sensoriel et onirique au ralenti. C’est le genre de disque qui permet de vous échapper de la grisaille quotidienne en vous emportant ailleurs : nager avec les dauphins, batifoler au fond de la mer avec les sirènes, ou……tout ce que votre imagination préférera !

Tout cela, et même beaucoup plus, concours à faire de ce disque LA grande œuvre atmosphérique de l’année.

L’ouverture « Welcome »

Titre n°6 “Oh, Why”

La nostalgie est plus ou moins présente en chacun de nous. On a tous une période musicale chérie, suivant notre âge, notre parcours, notre évolution, etc. Même si l’on est artistiquement très éclectique, la musique qui a baigné notre jeunesse, et plus particulièrement notre adolescence, nous suit tout au long de notre vie. Ce papier est l’expression de ce souvenir, la manifestation nostalgique de cette période d’insouciance, de recherche (de soi, de sens) et d’errance. Mais ce n’est nullement un papier prônant une quelconque forme de passéisme, de « c’était mieux avant » !!! Juste un regard analytique dans le rétroviseur de la vie. Alors, retour vers cette fameuse année (celle de mes 16 ans), destination……..1991.

1991 : Une année riche en sorties prestigieuses, en albums majeurs devenus cultes aujourd’hui. Une année où « L’international Indie » (rock, pop & electro) offrait au monde entier certains de ses plus beaux joyaux. !!!

Cette année là, les Spacemen 3 agonisant, pourtant phénix rock flamboyant il y avait encore peu, accouchait dans la douleur de leur œuvre testamentaire « Reccuring », disque qui scellera leur divorce. Autre chant du cygne d’un géant du rock indé des 80’, mais américain : “Trompe le Monde” des Pixies. En Amérique toujours, un « futur grand groupe » de Seattle, en publiant son second opus, va connaître un succès planétaire : Nirvana et son “Nevermind”. Beaucoup les considèreront comme les sauveurs de rock. Mais leur leader torturé Kurt Cobain ne supportera pas cette explosion médiatique soudaine qui entraînera son suicide ainsi que leur inexorable fin 3 ans plus tard ! A l’inverse, nettement moins tourmenté, les nerds du Post-punk épileptique (« Crazy Rhythms » 1980) à l’allure d’éternelle adolescent, les The Feelies, ayant déjà évolué vers un songwriting plus apaisé (en y intégrant pop et folk), publiaient tranquillos leur quatrième opus, “Time For A Witness”, dans une indifférence quasi générale. “Nevermind”, “Time For A Witness”, deux poids, deux mesures (niveau accueil et traitement médiatique) ! Pendant ce temps, un groupe surgit de nulle part va sortir un premier album complètement barré et hors des canons indie rock alors en vigueurs. Son nom : Mercury Rev. « Yearself Is Steam » est un assemblage inouï de 9 longues pièces surréalistes et déstructurés, un néo psychédélisme savamment barré, montées chevaleresques et cavalcades épiques, dérives dream pop élégiaque. Un disque d’Americana malade, lysergique et dépressif, enregistré en milieux psychiatrique comme un geste indie rock ultime et déjanté avant leur grande mue artistique vers le succès (« Deserter’s Songs » 1998) en un rock progressif jusqu’à l’excès……et l’écœurement !

Le Loner Neil Young avec ses fidèle Crazy Horse, après sa tournée « Ragged Glory Tour » où il embarqua Sonic Youth pour ses premières parties, sorti un live d’anthologie en deux parties : « Arc-Weld ». « Weld », double LP regroupant certains de ses meilleurs titres et« Arc », disque totalement free composé d’un seul long titre de guitare noise remplie de larsen, distorsion et autres effets. Il montrera à ceux qui en doutaient qu’il est un véritable rocker, parrain du punk et du grunge, un artiste toujours au top. « Rust never sleep »….

De Londres, alors en plein « Summer Of Love », la bande à Bobby Gillespie (Primal Scream) s’acoquinait au producteur Andrew Weatherall pour un “Screamadelica”inspiré et mémorable, célébrant ainsi les noces du rock garage stoogien, du groove incandescent et de l’acid house/techno balbutiante. C’était la vague baggy ou Madchester (Stones Roses, Happy Mondays…). Mais de Bristol un autre son s’apprêtait à envahir la sono mondiale, le trip hop. La première salve fut envoyée par Massive Attack avec leur légendaire “Blue Lines”. Le label Warp naissant, quand à lui, allait explorer de nouveaux univers avec des productions électroniques avant-gardistes, notamment “Frequencies”, manifeste techno du groupe LFO. Son onde de choc sera immense.

Une autre vague déferla en terre anglaise, emportant avec elle un mouvement novateur, inspiré et « drogué » : le Shoegaze. Et en 1991, elle fut particulièrement puissante en faisant s’échouer sur les côtes britannique deux de ses plus beaux disques, telle deux bouteilles jetées à la mer mais qui trouvèrent fort heureusement auditeurs : l’expérimental et sonique “Loveless” de My Bloody Valentine et le très éthéré “Just For A Day” des nouveaux venus Slowdive. Deux œuvres, deux visions différentes du mouvement Shoegaze. Perso, j’adhère plus à l’option Slowdive et je trouve que “Just For A Day” est un des plus grands chefs d’œuvres du genre. L’indie pop anglaise ne fut aux abonnés absents cette année-là. The Field Mice, ce groupe du mythique label Sarah Records donnera de ses nouvelles avec « For Keeps ». Mais hélas, c’était pour la dernière fois. La fin d’une époque ???

Pendant ce temps, deux albums allaient posés les bases d’un rock nouveau : “Spiderland” des américains de Slint et surtout “Laughing Stock” des anglais de Talk Talk.

“Laughing Stock”, c’est une œuvre d’une grâce absolue. En plongeant sa plume dans un grand bain de jazz et de slowrock, Mark Hollis rénove en profondeur son songwriting et pose les bases du mouvement Post-rock. A l’image de sa pochette, l’arbre majestueux “Laughing Stock” sera une source d’inspiration pour de nombreux groupes : Bark Psychosis, Red House Painters, Codéine, Low, Labradford, A Silver Mt. Zion, Sigur Ros……..

Arbres

Codeine "The White Birch" (1994) / Kirlian Camera "The Ice Curtain" (1996)

Un baiser 

My Bloody Valentine "Glider EP" (1990) / Block Party "Intimacy" (2008) / Soft Metals "Psychic Driving" (2011) Merci Blake pour "Intimacy" (que j'avais zappé)

  Puzzle

The Seeds "Future" (1967) / Cat Power "Undercover" (1996)

Allignement 

 1 Wolf Parade "Apologies To The Queen Mary" (2005) / 2 Deerhoof "The Runners Four" (2005) / 3 Herbert "Scale" (2006) / 4 Bill Orcutt "How The Thing Sing" (2011) Big Merci à Julie, fidèle lectrice, pour la pochette de Deerhoof

    Bestiaire

    1 Syd Barrett "Barrett" (1970) / 2 Carnival In Coal "Fear Not" (2001) / 3 Edwyn Collins "Losing Sleep" (2010)

Plan satellite

Spiritualized "Live Royal Albert Hall" (1997) / Nebulo "Artefact "(2010)

Plans et cartes

Martha & The Muffins "Metro Music" (1979) / Maps And Diagrams "Get Lost" (2011) / Piers Faccini "My Wilderness" (2011)

Parodie I

Amon Düül II "Yeti" (1970) / Acid Mothers Temple "The Day Before The Sky Fell-In"

Parodie II

Ornette Coleman "Omette" (1961) / Clinic "Internal Wrangler" (2000) 

Bonnie Prince Billy vient de sortir son nouvel album, "Wolfroy Goes To Town". Il en profite pour faire une tournée en France qui s'arrêtera ce mardi 18 octobre, à L'Epicerie Moderne de Feyzin, à coté de Lyon. Ami(e)s lyonnais, n'oubliez-pas. Etant accro aux listes en tout genre, c'est l'occasion rêvée pour élaborer une petite playlist de mes albums préférés du troubadour barbu, sous ces diverses identités.

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Palace Music – « Viva Last Blues » (1995) : Changement de pseudo pour cet excellent album enregistré par le mythique producteur Steve Albini. Malgré sa courte durée (31 min), c'est un chef d’œuvre. Will Oldham électrise son folk qu'il teinte de touches éparses de blues. "Viva Last Blues" est son "On The Beach" perso !!! 

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Bonnie ‘Prince’ Billy – « I See a Darkness » (1999) : Premier album sous le nom Bonnie ‘Prince’ Billy, « I See a Darkness » conclu le millénaire agonisant en créant sa bande sonore apocalyptique. Un folk dark, gothique et très inspiré. Le sommet de sa carrière ???

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Bonnie ‘Prince’ Billy – « Ease Down the Road » (2001) : Pour entrer dans le siècle nouveau, il compose cet album 100 % Americana cool, sorte de slow country-folk légèrementbluesy et rempli de ballades somptueuses. Le disque de l’apaisement ???

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Palace Brothers - « There Is No-One What Will Take Care of You » (1993) : C’est avec ce disque au titre à rallonge (grosso-modo : “il n’y a personne qui s’occupera de vous”) que le public indé français à vraiment découvert Will Oldham.

Avec ce disque de Palace Brothers, il a révolutionné la country, cette musique de « ploucs » blanc, en la passant à la machine à (dé)laver indie rock en programme lo-fi (à la même période, un autre blanc bec fera pareil affaire, le dénommé Beck). Résultat : un petit chef d’œuvre qui donnera naissance au mouvement Lo-fi !!

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Bonus :

Bonnie 'Prince' Billy - "The Letting Go" (2006) : Après réflexion, je rajoute cet album qui est aussi très bon et différent, peut être du fait qu'il l'a enregistré avec le producteur Valger Sigurdsson, en terre Islandaise. Ma critique ici : J'écoute ce disque de Bonnie Prince Billy .

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Piers Faccini est apparu en 2004 avec le très blues-folk teinté de pop « Leave No Trace », voir ici (Piers Faccini où l'âme blanche du blues (Leave no trace) ). Il vient tout juste de sortir son quatrième album, « My Wilderness », deux ans après le sublime « Two Grains Of Sand » (n°6 de mon top disques 2009). En voici son clip à l’esthétique lo-fi, bricolé et….mondialiste.

Pour de plus amples détails, lire la très belle chronique de l'ami Blake ici : link