Il y a des disques, bien que magnifiques et très aboutis, restent hélas méconnus du grand public. Pas ou peu de passages radio et télé (hormis quelques îlots de résistance type "Tracks" sur Arté), mal distribués (n'allez pas les chercher dans les rayons des supermarchés), ils n'ont droit qu'aux honneurs de la presse spécialisée. "Happiness" est de ceux-là !

Sortit en 2005 sur le petit label catalogue, ce premier opus est l'oeuvre d'un modeste artisan "pop" parisien, Sébastien Schuller. Un citadin trentenaire, les deux pieds dans la ville mais l'âme et la tête dans les nuages. Modeste artisan je disais, mais pas du tout médiocre, tant la qualité de l'ouvrage est impressionnante ! Du véritable travail d'orfèvre. Sébastien Schuller à entièrement écrit, composé, interprété (voix, choeurs et tous les instruments) et enregistré ce disque en solitaire. Et ceci dans son appart' sous les toits de Paris, en pleine ville. "Happiness", malgré tout, est pourtant une ode aux grands espaces, aux voyages imaginaires, à l'extase, au bonheur et à la mélancolie ! Véritable kaléidoscope de sentiments contradictoires, de sensations, d'ambiances bucoliques teintées de mélancolie ! Parfois, au détour d'une mélodie, le spleen rôde ! Mais c'est un spleen emplis de clarté, de lumière. L'espoir est toujours présent !

Nul déchets sur les onzes titres qui constituent cet album, tous serties de main de maître. De l'ouverture "1978" au final "Le dernier jour", c'est le même souffle lyrique qui emporte l'auditeur, le faisant traverser, tel Alice au pays des merveilles, de l'autre côté du miroir. Comme envouté, on en ressort léger, heureux, "happy" et appaisé. Bien sûr, certains morceaux se démarquent, comme mon préféré, l'onirique et épique "Where we had never gone".

Véritable architecture foisonnante et complexe, ce disque est un parfait équilibre entre bidouillages electroniques et instruments rock (guitare, basse, synthés..).

Malgré une production maison, on ne peut qu'être admiratif par sa qualité, par ses trouvailles sonores. "Happiness" pourrait s'apparenter à du Radiohead Lo-fi : même travail sur les choeurs et le son, même lyrisme, même génie mélodique mais avec des moyens beaucoup plus modeste.

HAPPINESS : Bonheur, qui rend heureux ! Cette définition du dictionnaire résume parfaitement ce disque. Et quel disque. A découvrir de toute urgence !!

En écoute : "Weeping Willow" (n°2) / "Where we had never gone" (n°6) 

"The Letting Go" (2006) J'écoute régulièrement cet album de folk élégiaque.

Touché par la grâce ! C'est ainsi que l'on pourrait qualifier le dernier album de Bonnie Prince Billy alias Will Oldham !!!!

"The letting go" est un disque apaisé, beau à pleurer, emplie de lumière et de vie, un peu comme le soleil se couchant sur un lac embrumé. Un disque à écouter au coin du feu, sorte de B.O idéale de "Brockeback Mountain" d'Ang Lee, pour cowboys sentimentaux ! Un disque où le bois (guitares acoustiques) se marrie parfaitement avec l'électricité (guitares électriques et basses), par petites touches impressionnistes, ainsi qu'avec des cordes élégiaques et somptueuses (violons et violoncelles). Un disque nourri des légendes d'Islande où il a été enregistré, de ces elfes et autres fées ! Justement en parlant de fées, il y en a une qui s'est invité sur l'album. C'est la chanteuse méconnue Dawn Mc Carthy. Elle illumine de sa voix angélique l'album, superbe écrin sonore accompagnant le spleen de Will Oldham ! Egalement présent son frère Paul Oldham, fidèle compagnon de route ainsi que Jim White à la batterie. Tous trouve une place harmonieuse grâce à la production sobre et très efficace de Valger Sigurdsonn, célèbre ingé son islandais. Il intègre même, à cet ensemble très folk, de discrètes sonorités et rythmiques electro.

On traverse ce disque tout en douceur, apaisé et léger, touché par autant de grâce. Comme envoûté après un sortilège, mais dont le sort ne serait pas maléfique, bien au contraire !

Bonnie Prince Billy n'est pas un inconnu ! En 1999, il avait déjà composé la bande-son d'un millénaire finissant et agonisant ! C'était le crépusculaire "I see a darkness". Un chef d'œuvre de folk baroque etgothique ! Et au début des 90's, il fondait les Palaces Brothers !

Aujourd'hui, après plusieurs changements de nom et quinze ans de carrière, il est peut être un des seuls digne successeur du grand Neil Young !

"Return too coockie mountain" de TV On The Radio (2006) 4AD

Note : * * * * * *   *

"Bizarre, vous avez dit bizarre. Comme c'est bizarre !" Cette réplique de ciné culte, beaucoup d'auditeurs ont du se la dire à l'écoute de cet album O.V.N.I ! Moi le premier !

Post-rock ? Electro-funk expérimentale ? Free-soul ? Inclassable en tout cas et c'est tant mieux ! C'est ce qui fait la force et l'originalité de ce quintet new-yorkais.

Les revoilà donc en 2006, après "Desperate Youth, Blood Thirsty Babes", leur première attaque sonique déjà bien barrée et novatrice sortie en 2004. Comment, malgré tout, définir leur musique ?

Ce disque, ce pourrait être My Bloody Valentine jouant de l'électro-funk avec Pharoah Sanders et Sun Ra (2 génie du free-jazz) dans un album soul produit par Brian Eno sous champignons hallucinogènes !!! Vous dire le délire ! Tout ceci pourrait être "du grand n'importe quoi" mais pas du tout. Quand le talent est là !

Difficile donc à expliquer leur musique ! Faite de secousses noisy, d'éruptions volcaniques, de blues aux charbons ardents et de rares moments d'accalmies, elle se ressent, se vit plus qu'elle se raconte. Un peu comme le cinéma de David Lynch ! D'où ma difficulté à vous en parler !

Mais elle tient du génie ! D'ailleurs, l'ami Bowie ne s'y est pas trompé, lui le dénicheur de talent. Il s'est invité sur un morceau ("blues from down here"), expérience qui a du lui rappeler ses grandes heures de sa période Berlinoise avec Brian Eno.

Brian Eno : C'est la grande référence du disque justement, tant au niveau de la production que de l'innovation sonore !

Bizarre, mais plus je l'écoute, moins je la trouve bizarre justement leur musique !

Ce disque fait partie de ces oeuvres complexes, originales et novatrices qu'il faut, d'écoute en écoute, apprendre à découvrir et à aimer. Un peu comme avec le jazz, celà se méritte ! En cela, ce disque me rappelle mes premières approches (dubitatives) de la période Electric de Miles, "Bitches Brew" en tête. Mais une fois l'oeuvre domestiquée, le plaisir est à la clef !!

Alors, vous aussi, prêt pour regarder la TV à la radio !!!!!!!!

Aujourd'hui, ami lecteur, j'avais envie de vous parler de ce disque qui squat te ma platine : "Dreamt for light years in the belly of a mountain" des Sparklehorse (2006).

Grands amis de Radiohead dont ils ont fait leurs premières parties à leurs débuts, on a découvert ce combos en 1995 avec un premier album au nom quasi improbable : "Vivadixiesubmarinetransmissionplot" !

En 2001, avec "it's a wonderful life", Sparklehorse signait leur troisième et meilleur album. Un petit chef-d'oeuvre ! Ce joyau de rock neurasthénique, de folk-country lunaire sous valium explorait l'autre versant du rêve américain. Comme pour d'autres grands disques malades ("The La's" de Lee Marvee et ses The La's par exemple), son auteur Mark Linkous y a perdu quelques plumes au passage ! Cinq années d'abscences, quasi autant de dépression pour son génial cerveau malade.

Disque du retour, dernières nouvelles des pénombres ! Nouvelle plongée au coeur de l'americana, celle-là même où l'on retrouve, dans les plus profondes et ténébreuses sphères, d'autres superbes combos tels Midlake, Wilco, Neil Young & The Crazy Horse !

"Dreamt.." est peut-être leur album le plus "pop", mais pop dans le sens le plus noble du terme. Cette "pop" qui réussit l'exploit, depuis tant d'années, de transmettre à l'auditeur autant d'émotions, de sensations extrêmes le tout en 3 à 4 min chronos. Durée moyenne des titres de l'album justement, hormis "Morning hollow" et le final "Dreamt for light years in the belly of a mountain", dérive autiste et bruitiste de plus de 10 min.

L'album alterne ainsi de douces ballades mélancoliques et oniriques avec quelques morceaux plus rock, plus sauvages. Richesse des arrangements, recherches sonores notamment sur la voix de Linkous, orgues élégiaques et riffs de guitares sont ainsi convoqués sur ce disque. Moins electronica que le précédent, "Dreamt for...." est un enchantement, une traversée dans le paysage mental d'un groupe ô combien torturé mais tellement passionnant !

J'inaugure avec cette note une nouvelle série d'articles me tenant particulièrement à coeur et consacré à "MES ALBUMS CULTES". Vaste débat en perspective car ce choix est totalement subjectif mais assumé ! Et pour le premier, je vais vous parler d'un disque légendaire, "Harvest" de Neil Young.

"Harvest" est peut-être le disque le plus populaire du "Loner" (meilleur vente 1972, classé n°1 au Billboard). Unanimement reconnu par la critique et les fans comme l'un des albums majeurs de l'histoire du rock, il est régulièrement cité dans toutes "discothèque idéale" qui se respecte !

"Harvest" est donc le quatrième album solo de Neil. Véritable pierre angulaire de son oeuvre, il ouvre superbement une "trilogie rurale" qui se poursuit avec "Harvest Moon" en 1992 et se conclue en beauté avec "Prairie Wind" en 2005. Sortie en 1972, il a été enregistré avec des musiciens de renom de Nashville, The Stray Gators alias Ben Keith (guitare steel), Kenneth Buttrey (batterie), Tim Drummond (basse), Jack Nitzche (piano, guitare slide et arrangements) et John Harris (piano). Mais l'on retrouve aussi ses acolytes Crosby (David), Stills (Stephen) and Nash (Graham) ainsi que Linda Ronstadt et James Taylors pour les choeurs. Rien que ça ! Neil, quand à lui, chante, joue de la guitare et de l'harmonica. Pour 2 titres, "A man needs a maids" et "There the world", il fait même appel au London Symphony Orchestra. Grâce aux cordes et aux cuivres de l'orchestre, magnifiants ainsi ces morceaux, son folk planant et sa country rurale prennent une dimension épique et lyrique, rarement égalé depuis.

Personnellement, c'est avec ce disque que j'ai découvert Neil Young. C'est une formidable clef d'entrée dans l'univers de ce "chamane rock" ! Disque relativement court (11titres pour 37min), c'est une véritable ode à l'Amérique rurale et profonde, à la face obscure du fameux "American Dream" ! Car derrière ces morceaux à l'apparence bucoliques et apaisés, l'orage gronde, un peu comme un "Twin Peaks" avant l'heure ! Ainsi, drogue et déchéance (Are you ready for the country et The needle and the damage done), racisme (Alabama) côtoient l'amour et le fait d'être père (A man needs a maids), la quête spirituel à la recherche d'un "coeur d'or" (Heart of gold) !

Produit de main de maître par Neil Young et Jack Nitzche, "Harvest" malaxe subtilement rock, folk, country et orchestrations monumentales ! Et bien des années après, il reste encore une référence absolue en la matière, source intarissable d'inspiration pour tout aspirant Folk rocker ! La pochette au design sobre, épuré et rustique, de couleur beige orangée, est maintenant rentrée dans toutes les mémoires.

Mais ne pouvant s'arrêter en si bon chemin, deux ans plus tard il sortira "On the Beach", suivit de "Tonight's the night" et "Zuma" en 1975. Et ces trois disques sont tous des chef-d'oeuvres, véritables sommets glauques, profonds et hantés à la "beauté malade". A croire que les années soixante-dix appartenait à Neil Young ! Mais ça, c'est une autre histoire !!!!!!!!

Ma Note : * * * * * *  *

 Paris de nos jours. Pierre (Romain Duris), jeune danseur, apprend qu'il est malade du coeur et se demande s'il va mourrir ! Son état lui donne un regard neuf sur sa vie, sur celle des gens qu'il observe du haut de son appart', sur tout les habitants de sa ville, sur la VIE ! La soeur de Pierre, assistante sociale (Juliette Binoche), un prof' d'histoire torturé (Fabrice Luchini), une de ses étudiante (Annelise Hesme), son frère architecte (François Cluzet), sa femme, un psy (Maurice Bénichou), les vendeurs du marché (Albert Dupontel, Gilles Lelouches, Zinédine Soualem, Julie Ferrier), une boulangère réac' (Karine Viard), des mannequins, un concierge africain, un présentateur télé, un S.D.F, etc........Tous ces personnages apparamment ordinaires, que tout oppose, vont se trouver réunis dans cette ville, dans ce film !

Après Barcelone (L'auberge espagnole) et Moscou (Les poupées russes), retour de Cédric Klapisch dans sa ville de prédilection, Paris ! Comme vous l'aurez compris, "Paris" est un film polyphonique, un film chorale où vont se croiser une pléiade de personnages au gré d'un scénario superbement construit. On suit ainsi la destinée de chacun sans jamais perdre le fil de l'histoire. Tous ont leurs problèmes, leurs tourments mais aussi leurs lots de joie, d'amour et d'espoir, différent bien sur. Mais tous ont en commun leur ville, Paris. Et elle n'est pas que le simple lieu de l'action. Personnage à part entière, elle est aussi le lien qui les uni, sorte de "mère" commune à tous ! Cédric Klapisch l'avait déjà filmé. Le Paris de sa jeunesse étudiante (Le péril jeune), de son quartier (Chacun cherche son chat), d'un hypothétique futur (Peut-être). Cette fois, c'est le Paris actuel, magnifiquement mis en image à l'aide de son chef opérateur Christophe Beaucarne (Les frères Larrieu, Manuel Poirier, etc..). Sous l'oeil de sa caméra, il magnifie cette ville sans jamais tomber dans un décorum "carte postale" ! Ainsi, il insuffle à ce film qui n'aurrait pu qu'être qu'une simple fresque "géographique" une véritable humanité, notamment grâce au regard plein de tendresse qu'il porte sur chaque personnage, même les moins sympathiques. Et il évite le piège du film "touristique", le "regarde comme ma ville est belle", le Paris sous "cloche" !

La mise en scène inventive nous offre des scènes magnifiques, comme le cauchemar "3D style jeu vidéo" de l'architecte. Et celle où Juliette Binoche descend les poubelles de son frère. L'ayant mal mise, le concierge africain la replace et ensuite poste sa lettre à son frère resté au pays. Dans le plan suivant, on voit en même temps le camion poubelle arriver ainsi que le facteur. Le réalisateur, par le montage, uni ces deux personnages. Il en est ainsi de tous les autres qui, directement ou indirectement, sont unis dans une même ville, dans une histoire commune !

N'est-ce pas cela, la vie d'une ville ?  "Une solitude peuplée" disait Léo Ferré !

Comme d'habitude, la bande son est particulièrement soignée. Elle malaxe habilement Kraked Unit, l'electro trip-hop de Wax Tailors (le superbe "Seize the day"), le funk de Quincy Jones et Wilson Pickett, le "Louxor, j'adore" de Katerine et la douceur d'Erik Satie !

On ressort de ce film bouleversé, touché par tant de sincérité, de poésie du quotidien, bref, par autant de VIE en 2h10 min !

Perso, je ne suis pas un très grand fan du cinéma de Klapisch. Mais là, force est de reconnaître qu'il a réalisé son meilleur film, un véritable petit bijou ! A ne pas louper !!!!!!!!                    

"La mécanique du coeur" de DIONYSOS.

Comment parler d'un tel disque ? Un disque si original et habité qu'on a du mal à s'en remettre ! Un disque qu'on ne pénètre pleinement qu'après plusieurs écoutes tellement l'univers qu'il renferme est énorme, novateur et créatif ! Un album concept plus exactement. Je sais, le mot peut faire peur car les réussite en ce domaine ne sont pas légion et que Gainsbourg a placé la barre si haut avec "L'histoire de Mélody Nelson" et "L'homme à la tête de chou". Mais toutes craintes disparaissent à la vue du niveau d'excellence que Dionysos atteint là !

Alors, après ces quelques précisions, entrons dans le vif du sujet. Concept album je disais car il est adapté du roman éponyme du chanteur, alias Matthias Malzieu.

L'histoire : Edimbourg, 1874 ! Jack, le héros, naît le jour le plus froid du monde et son coeur en reste gelé. Madeleine, sage-femme dite folle, le sauve en remplaçant ledit coeur par une horloge. Jack ainsi vivra mais à condition de ne pas toucher ses aiguilles, maîtriser sa colère et surtout ne jamais, ô grand jamais tomber amoureux ! Mais il succombe aux charmes d'une p'tite chanteuse des rues, Miss Acacia. L'ayant perdu, il se lance dans une folle aventure dont l'issue de cette quête amoureuse ne pourra qu'être fatale !

Ainsi, album concept oblige, chaque titre illustre merveilleusement une partie de l'histoire. Oscillant entre conte gothique et fable onirique, peuplé de personnages loufoques, déjantés et haut en couleurs, ce disque est une véritable réussite. Pour incarner ces différents personnages, Dionysos a fait appel à un casting quatre étoiles. Emily Loiseau (Madeleine, l'étrange sage-femme), Arthur H (Le clodo alcoolique ex policier), Olivia Ruiz (Miss Acacia), l'actrice Rossy De Palma (Luna, la prostituée malicieuse), le slammeur Grand Corps Malade (Joe, l'amoureux jaloux de Miss Acacia), l'acteur Jean Rochefort (Georgues Méliès le prestidigateur), Alain Bashung (Jack l'évrentreur) et le footballeur Eric Cantona (Giants Jack, le narrateur devenu grand) !

Tous ces noms prestigieux et insolites servent magnifiquement leurs personnages et apportent avec eux leurs influences musicales et cinématographiques. Références musicales justement ! "La mécanique du coeur" est un véritable multing pot musicale où rock nerveux, hip-hop, chanson guinguette, vieux blues et accents morriconiens partouzent en toute liberté et cohérence ! Beaucoup de rythmiques sont façonnées à partir de sons d'horloges, métaphore parfaite du nouveau coeur de Jack. On retrouve, comme sur le précédent "Monsters in love" pléthore d'instruments. Aux habituelles guitares, basses, batteries rock se sont adjoint le ukulélé, le glockenspiel, le mellotron, les scratches et progammations électros. Mais aussi les magnifiquent arrangements de cuivres et de cordes signés Olivier Daviaud. Ils finalisent en beauté le coté bande original du film imaginaire que Matthias rêve de tourner un jour.

Coté cinématographe justement, à l'écoute de ce disque hors norme, on pense à la poésie gothique de Burton et du "Freaks" de Todd Browning, à l'étrangeté et à la perversion du réel de Lynch, aux Farrely pour les personnages et à Jarmusch auquel Matthias a consacré son mémoire de fin d'étude de cinéma.

Après Steve Albini ("Western sous la neige" 2002) et John Parish ("Monsters in love" 2005), c'est Dionysos lui-même qui a produit ce disque, aidé de l'indispensable Olivier Daviaud, que Matthias a rencontré pendant l'enregistrement de "La femme chocolat" d'Olivia Ruiz !

Pour la troisième fois, le visuel est signé par leur pote, le dessinateur B.D Joann Sfar (le chat du rabbin, Petit et Grand vampire, etc..). Les deux univers fusionnent parfaitement tant ils partagent la même esthétique baroque, gothique et loufoque.

Offert à noël, ce disque tourne en boucle sur ma platine. Et à chaque écoute, j'en découvre la poésie, la beauté et en perce un peu plus le mystère ! Ne serait-ce pas cela, un CHEF-D'OEUVRE ? J'en ai bien l'impression !!!!!!!!!!