« Somewhere » de Sophia Coppola (2011) U.S.A

Note : * * * * * *  * 

Johnny Marco (Stephen Dorf), acteur à succès, passe son temps entre tournages, interviews, faire la fête, baiser ou errer dans les couloirs de l’Hôtel Château Marmont qui lui sert de maison, etc..Bref, son existence est d’une totale vacuité. C’est alors que déboule sa fille Cléo (Elle Fanning) pour passer 15 jours ensemble. Ils vont se r(e)découvrir, apprendre à se connaitre et à s’aimer et elle va ainsi redonner un sens à sa vie.

Depuis ses débuts avec l’éblouissant « Virgin Suicides » (1999), Sophia Coppola filme inlassablement la même chose, comme une thématique récurrente (voire obsessionnelle) : Des êtres qui se cherchent, des gens paumés dont les existences semblent vide de sens. Sophia Coppola, cinéaste du mal de vivre, de l’ennui et du vide existentiel ??? En tout cas, ça en a tout l’air.

« Somewhere », bien qu’ayant une trame scénaristique, ne possède ni début, ni fin véritable. L’histoire aurait très bien pu commencer avant et se finir après. Et le comble, c’est qu’au milieu, il ne s’y passe presque rien. Presque rien ????? En apparence seulement, car comme chez Wong Kar Wai ou Gus Van Sant, le plus fort, le plus beau n’est pas dis, n’est pas réellement montré mais suggéré. C’est un cinéma du non-dit, une sorte de poésie visuelle suggestive. Le spectateur se retrouve ainsi actif (intellectuellement parlant) au lieu de la passivité habituelle auquel il est confronté avec les ¾ des productions sortant chaque année.

Sophia Coppola n’hésite pas à jouer sur la durée des plans, le hors-champ et la lenteur. Ses films sont contemplatifs, remplis de scènes éthérées où des personnages lunaires divaguent sur des musiques planantes. « Somewhere » s’inscrit donc totalement dans son œuvre, sans rupture ni changement. D’où la sensation pour certains de voir toujours le même film et d’éprouver un certain ennui.

La musique est fondamentale dans le petit univers de Miss Coppola. Ses B.O sont de véritables playlists « indie » idéales, nourries de son éclectisme musical très pointu. Ainsi se côtoient en toute sérénité l’electronica / drum’n’bass de Squarepusher, Air, Death In Vegas et Aphex Twins, le post-punk / shoegaze de Kevin Shields, My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, Gang Of Four, Radio Dept. et New Order, la cold wave de Siouxsie and the Bansheeset The Cure, la pop et le folk de Sébastien Tellier, The Strokes, et bien sur de Phoenix (dont le chanteur est son boyfriend).

Au final, un film sympa, poétique mais qui aurait pu gagner en épaisseur. Certains le trouveront peut être ennuyeux. Heureusement, sa courte durée (1h40min) n’amplifie pas cette sensation.

Mais avec une mise en scène virtuose, un travail pertinent sur les plans, un bon jeu d’acteur (basé sur l’épure, le minimalisme) et surtout une superbe utilisation de la musique, magnifiant ainsi certaines scènes, « Somewhere » reste très correct. Evidemment, il n’arrive pas au niveau de son chef d’œuvre « Lost In Translation ». Mais on ne peut pas toujours exceller. En tout cas, je dis vivement le prochain !!!

Alors, Sophia Coppola, cinéaste indie pop ?????? A vous de juger !

Deux maxis de remix du dernier album de Radiohead « The King Of Limbs » viennent de sortir. Deux disques, 5 créateurs pour 4 titres du quintet d’Oxford.

Le premier comporte deux titres : « Little By Little » par Caribou et « Lotus Flower » par Jaques Green.

• 1 « Little By Little » démarre par un beat technoïde répétitif qui part très vite en une rythmique break-beat hypnotique. Divers sons vont et viennent au gré du morceau, puis arrive la voix élégiaque et cosmique de Thom Yorkes. Cette ossature musicale est sertie d’une magnifique mélodie de harpe que l’on imagine aisément magique. Le morceau part progressivement vers un final explosif où les sons montent, se vrillent en devenant plus acides (lysergiques ?) avec une rythmique renforcée.

• 2. « Lotus Flower » débute downtempo pour partir progressivement en une frénétique techno/house punchy, dansante et vitaminée mais sans jamais que le rythme ne s’affole et ne s’accélère de trop.

Le second est constitué de 3 morceaux : “Morning Mr Magpie” par Nathan Fake et 2 remix de “Bloom”, l’un d’Harmonic 313 et l’autre de Mark Pritchard.

• 1 “Morning Mr Magpie”. Break-beat au tempo cool renforcé par un beat martelé. Surgit la voix de Thom, puis des claviers d’où émanent mélodies et divers sons qui s’enlacent ensembles, formant ainsi une Electronica « dance floor ».

• 2 « Bloom » Acte I : Harmonic 313 nous en offre une relecture ambiant, psychédélique et aquatique avec tous ces sons d’eau. Une version tellurique de « Bloom », la force des éléments , de la nature marié à la technologie, une techno bio en quelle que sorte.

• 3 « Bloom » Acte II : Mark Pritchard en propose son remix dark-techno, Indus même par certains sons et ambiances beaucoup plus pesantes et plus sombres. L’urgence se dégage de ce morceau qui pourrait être comme la face obscure et mélancolique de la versiond’Harmonic 313. « Bloom », 2 remix opposés, 2 faces.

Face A : Joie, bonheur bucolique et couleurs. Face B : Tristesse, malheur urbain et grisaille.

Au final, deux superbes disques de remix qui me permettent d’écouter différemment « The King Of Limbs », de le réévaluer même. Car il faut bien le reconnaître, cette dernière œuvre de Radiohead m’avait déçu. D’ailleurs, je ne l’ai que très peu écouté depuis sa sortie (un signe qui ne trompe pas). Pour la première fois depuis « OK Computer » (1997), j’ai eu la sensation que leur formidable inventivité, leur génie créatif et surtout leur inspiration était moins présente…………..Ah moins que ce ne soit moi qui ne l’ai pas compris.

“Paha Sapa/Mako Sika” de For Heaven's Sake (2011) Autoproduction

note : * * * * * *  *

Au hasard de mes balades virtuelles, divagations modernes, j’arrive chez Charlu et ses chroniques. L’accueil y est toujours excellent et les découvertes légions. Cette fois, il présentait la dernière œuvre d’un artiste hors-norme : “Paha Sapa/Mako Sika” de For Heaven's Sake. Après écoutes de quelques titres, la séduction fut immédiate. De retour, je me suis vite procuré l’album entier afin de replonger au cœur de cet univers singulier qui m’avait tant touché.

Tout d’abord, For Heaven's Sake, c’est le projet d’un créateur/multi-instrumentiste de talent, Guillaume Nicolas. Ce disque, c’est son second album, après un premier disque éponyme en 2005. Il a entièrement écris, composé, joué des instruments, enregistré et produit tout les morceaux de ce voyage sonore solo. Et oui, il voyage en solitaire comme dirait notre regretté Bashung. Avec “Paha Sapa/Mako Sika”, c’est bien à un voyage que nous convie For Heaven's Sake. Un périple au cœur de son univers fait d’une musique mystérieuse et d’un verbe poétique. Une musique très personnelle, protéiforme et difficilement classable. Inclassable donc, mais je vais tenter de vous en parler quand même.

For Heaven's Sake mélange son folk « mutant » avec du rock indie, de la pop psyché, de longs passages instrumentaux ainsi que diverses influences et sonorités ethniques ramenées lors de ses nombreux voyages.Sa musique devient donc perméable avec l’extérieur et s’ouvre sur le monde. Avec lui, L’Afrique, l’Orient et l’Inde dialogue en toute beauté avec l’Occident.

Guillaume Nicolas explore autant les grands espaces que l’infiniment petit donc humain, sa face obscure et ses méandres avec son dark-folk psychédélique, son blues rock incandescent malaxé épileptiquement à un Post rock hanté et une pop totalement habité. Aux guitares acoustiques et électriques, jouées en virtuose, se joignent percussions, flûtes ou divers instruments créant des ambiances mystérieuses et envoutantes.

On pense à une version française de Six Organs Of Admittance pour le jeu de guitare, le psychédélisme chamanique et l’intégration de sonorités ethniques, au world folk apocalyptique d’Ilyas Ahmed pour sa face plus expérimental. Mais loin du simple copié-collé, For Heaven's Sake se démarque de ces références citées par son originalité et sa personnalité très marqué.

Les sept morceaux du disque sont de véritables incantations sonores. Elles sont psalmodiées, déclamées ou chantées, toujours de sa voix chamanique comme pour une messe païenne. Les mots, dans la langue de Molière, sont empreints d’une poésie très lyrique.

En véritable esthète, Guillaume Nicolas a soigné jusqu’au visuel. La pochette de son disque est d’un très grand raffinement artistique. Ce portrait photographique sépia le montre accoudé à un comptoir, des tatouages pleins les bras. Je me plais à l’imaginer marin-baroudeur/musicien, dans le rade sordide d’un port d’une ville du bout du monde. Et il jouerait sa musique pour des marins bourrés, des putes usées et des paumés noyant leur sort dans des litres d’alcool frelaté…..Imagination !!!!

Pour terminer, je vous conseille de vous rendre sur son site afin de télécharger légalement cette œuvre. Car le plus hallucinant, c’est qu’il n’est même pas signé.

Producteurs, directeurs artistiques de maison de disques et/ou labels, ne le loupez pas. A bon entendeur salut !!!!!!

Amis lectrices, lecteurs, rendez-vous soit sur son site ou son myspace afin d’écouter ce disque en intégralité !!!

Son site : link

Son Myspace : link

“At Mount Zoomer” Wolf Parade (2008) Sub Pop Records

Note : * * * * * *  *  

Depuis un certains temps (ou un temps certains), j’explore la bouillonnante scène (Post)rock canadienne, notamment via l’excellent label Constellation. Des groupes comme A silver Mt Zion, G.Y.B.E, Molasse, Arcade Fire, The Besnard Lakes….en véritables insoumis et chevaliers de l’underground, offrent une des plus belle alternatives au rock actuel. Dans cette lignée, je découvre avec un peu de retard le second album de Wolf Parade, “At Mount Zoomer” !!!!

En 2008, avec “At Mount Zoomer”, les Wolf Parade se sont affranchis du format pop classique (couplet/refrain) de leur premier album « Apologies To The Queen Mary » afin de créer des morceaux aux structures beaucoup plus élaborées. Ils y proposent un indie rock complexe et exigeant tout en restant accessible, coupé à la pop, au (Post)punk arty new yorkais et même avec des relents de rock progressif 70’. Un vent de lyrisme souffle sur cette œuvre, traversée de fulgurances épiques où planent les spectres de Television, des Talking Heads et de David Bowie.

Les guitares (Dan Boeckner) tranchantes, psychédéliques, endiablées ou plus douces, la basse (Spencer Krug) et la batterie (Arlen Thompson) au jeu précis et tout en subtilité s’enlacent à merveille dans les mélodies de claviers (Hadji Bakara) cheaps aux sonorités éclectiques, très années 80’ (ex : l’intro de « California dreamer »), parfois à la limite du kitsch. Chez beaucoup d’autres, ces sons tomberaient à plat ou « ringardiseraient » le propos. Mais chez eux, cela apporte une touche décalée. Les arrangements savamment construits alternent montées volcaniques, duels guitare/clavier (ce dernier mixé très en avant) et passages plus planants, progressifs et aériens, comme hors apesanteur. Et les voix entremêlées de Dan Boeckner et Spencer Krug se lovent à merveille dans ce majestueux écrin sonique.

Les Wolf Parade l’enregistrèrent seul à Montréal, sans ingé son, en partie dans le studio d'Arcade Fire (une ancienne église reconvertie) et dans celui du batteur Arlen Thompson nommé Mount Zoomer (d’où le titre du disque).  

La pochette du disque, contrairement à sa musique d’une beauté rayonnante, est absolument hideuse, à tel point qu’elle pourrait rebuter son achat et son écoute. Mais bref, passons.

A la sortie de “At Mount Zoomer”, leur label Sub Pop l’avait qualifié de « This is génération Marquee Moon » (le chef d’œuvre de Television). Est-il vraiment de cet acabit ? Je ne sais pas, les deux œuvres étant difficilement comparable.

En tout cas, il marqua une nouvelle évolution dans le travail de Wolf Parade qui placèrent définitivement Montréal au centre de l’indie rock mondiale. Vive le rock québécois libre !!!!!

“Nine Types Of Light” de TV On The Radio (2011)

note : * * * * * *  * 

C’est l’âme, le cœur et la plume en berne que j’écris cette chronique de « Nine Types Of Light », le nouveau disque de TV On The Radio. En effet, le mercredi 20 avril 2011 dernier, leur bassiste Gérard Smith est décédé (voir mon post ici Gerard Smith is dead ) !!!

En 2004, je me souviens très bien de l’onde de choc provoqué par « Desperate Youth, Bloodthirsty Babes”, leur première attaque sonique. On a immédiatement su que l’on tenait là un groupe qui allait révolutionner le (Post)rock pour proposer la pop de demain !

Après suivirent « Return To Cookie Mountain » (2006 critique : TV ON THE RADIO : "Return too cookie mountain" (2006) ) et « Dear Science » (2008 critique : "Dear Science" de TV On The Radio !!! ), deux disques tout aussi expérimentaux et créateurs d’un rock futuriste. Ils réussirent en seulement 3 disques à se hisser au niveau des plus grands groupes, au firmament céleste musical.

Mais qu’est-ce que le son TV On The Radio ? Une musique perméables à de nombreux courants qu’ils intègrent totalement pour en proposer une relecture novatrice : la liberté du free jazz mélangé à une soul abrasive, un post rock volcanique, une pop futuriste, un néo psychédélisme épileptique, une electro mutante et organique, etc…..

Avec « Nine Types Of Light », le groupe a calmé son propos et ses expérimentations fiévreuses. Mais cela ne veux nullement dire que TV On The Radio est rentré dans le rang, qu’il s’est assagit. Je pense qu’avec ce disque, le groupe a voulu se recentrer sur le songwriting pur, au détriment des énormes prises de risques passées.Encore un stade d’évolution supplémentaire pour ce groupe pleins de surprises, d’où cette sensation de ronronnement, de travaux moins aventureux et d’être face à une œuvre plus « consensuelle » !

Il est un peu à l’image du troisième album éponyme du Velvet Underground (1969) où le groupe avait délaissé ses pédales d’effets et autres artifices soniques pour se montrer sous un nouveau jour, nu comme un ver de terre. OK, la comparaison est peut être un peu extrême car TV On The Radio n’a quand même pas opéré transformation aussi radicale avec « Nine Types Of Light ». Mais dans l’esprit, ces deux disques sont assez proche.

Moi, je vois plutôt « Nine Types Of Light » comme un disque de transition, un disque ayant un pied dans l’indie (et l’expérimentation) et l’autre pied dans un coté légèrement plus mainstream.

Mais ce n’est là que mon humble avis. Et vous, qu’en pensez-vous ?????