En matière de psychédélisme, j’ai toujours préféré le minimalisme « primaire » des 13th Floor Elevators à une approche très technique des grands groupe rock progressif, certes très virtuose.

Minimalisme des compositions, répétitivité hypnotique amenant à une fulgurance cosmique, son à base de garage rock 60’ et de blues rock graisseux, absence de virtuosité technique, immédiateté née de l’épure.

20 ans plus tard, les Spacemen 3 reprendront la formule (et « Rollercoaster » des 13th Floor Elevators par la même occasion) en y ajoutant encore plus de répétitivité à la limite du drone. C’est pourquoi je fais cette connexion entre ces 2 groupes via leur vision commune du psychédélisme.

« Roller Coster » The 13th Floor Elevators (1966) issue de “The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators”

“How Does It Feel” Spacemen 3 (1989) issue de “Playing With Fire”

« RollerCoster » Spacemen 3 (live Amsterdam 1988) issue de “Sound of Confusion” (1986)

Burial "Street Halo EP " (2011) Hyperdub

Ma note : * * * * * *  *  

Après avoir sortie un 2 titres ("Ego / Mirror") en ce début d’année avec ses potes Thom Yorkes (Radiohead) et Four Tet, revoici le génie du Dark Dubstep Burial avec ce disque, le dernier depuis..........2007 et son énormissime "Untrue" !

Un disque, 3 titres : "Street Halo", "N.Y" et "Stolen Dog" d’une musique minimaliste créée avec une économie de moyens, comme un Art de l’épure. Aucun excès formaliste, autant dans les rythmes que dans les sons, les samples et les mélodies.

Chez Burial, les beats déstructurés, technoïdes et concassés sont accompagnés par des infrabasses lourdes et hypnotiques. Une rythmiques pouvant aussi bien faire danser que planer mais qui au final emmène toujours l’auditeur vers la transe. Burial, chamane électro du XXIème siècle ??

Autours de ce squelette rythmique gravite la matière sonore. Des fragments de mélodies, des échos de voix, des bribes de sons où se côtoient des sonorités telluriques (la pluie, le vent, crépitements du feu….) avec  les bruits de la rue. Urbanité du son fait à partir de sonorités d’éléments naturels, contraste et paradoxe !!!

Une musique électronique post-moderne qui semble comme nimbée dans des ambiances déshumanisées voir robotiques où la solitude côtoie la mélancolie urbaine.

Ce Maxi 3 titres est-il le signe annonceur d’un nouvel album pour Burial ??? Après « Street Halo », c’est son boss Kode9 qui vient juste de nous redonner de ses nouvelles personnelles grâce à « Black Sun » (voir mon dernier post ici : Kode9, Prince & "Black Sun"... ).

Hyperdub, label électro le plus top de 2011 ???? A vous de jugez !!!

Plusieurs très beaux disques de folk sont déjà sortis cette année qui a réservé son lot de surprise (J Mascis en solo), de découverte (Anna Calvi) et de confirmations (Iron & Wine, Alela Diane, Fleet Foxes et Bill Callahan). D’autres albums, certainement très bons et réussis, ont du aussi sortir mais je recense ici que ceux que je connais et que j’écoute.

Petit tour de piste au cœur de mes albums préférés où la guitare acoustique (mais parfois aussi électrique) et la voix prédominent.

Iron & Wine « Kiss Each Other Clean” 4AD * * * * * *   * 

Passé de Sub Pop à 4AD (deux mythiques labels indie), le barbus Samuel Beam ouvre sa musique à d’autres influences. Son folk jadis neurasthénique et contemplatif côtoie désormais la funk et la soul, la pop et le rock. Et son songwriting s’en trouve que plus abouti.

J Mascis “Several Shades Of Why” Sub Pop * * * * * *  * 

J’ai déjà parlé de ce disque ici : J Mascis en mode acoustique... .

Anna Calvi “Anna Calvi” Domino Recording * * * * * *   *  

Encensée par une presse unanime mais provoquant de véritables débats au sein de la blogosphère, Anna Calvi est certainement l’artiste la plus hype de l’année. Laissant un peu retomber ce buzz, je viens de la découvrir récemment. Et quel album, quel artiste !!

Je suis immédiatement tombé sous le charme. Sa musique navigue dans les eaux troubles d’un folk pop baroque hanté par les fantômes du blues et les spectres du rock goth ou cold wave ! Ses morceaux vous prennent aux tripes, les guitares slides s’entremêlent en toute virtuosité aux mélodies somptueuses et servent d’écrins majestueux pour sa voix féline, ô combien superbe et habitée !! Une très grande artiste est née. Son nom : Anna Calvi ! Et son disque est un chef d'oeuvre !!!

Alela Diane “Alela Diane & Wind Divine” Rough Trade * * * * * *   *  

Alela Diane délaisse ses apparats chamaniques, électrifie son propos et sonne plus pop. Malgré cela, ce troisième disque est tout aussi réussi que les précédents. Comme la française Keren Ann qui s’est également diversifiée sur son dernier album (plus rock et électrique aussi), sa mue artistique s’accompagne d’un changement de look avec une coupe au carré qui lui va à ravir. Quelle est belle et libre Alela Diane !!

Fleet Foxes “Helplessness Blues” Sub Pop * * * * * *   *  

En 2008, les Fleet Foxes avaient déboulé avec un album éponyme de folk lunaire rempli d’harmonies vocales que l’on aurait dis venir d’un autre âge, d'une autre période (Ma critique ici : Fleet Foxes "Fleet Foxes" (2008) Sub Pop ). Et voici donc son successeur, “Helplessness Blues”, disque à la pochette graphiquement superbe (après le tableau de Brueghel du premier). Et derrière cette éblouissante beauté formelle se cache une musique tout aussi magnifique.

Mélodies somptueuses, arrangements et orchestrations d'orfèvres, harmonies vocales célestes, passages plus rock, plus électrique et même quelques digressions limites free (le final de "The Shrine _ An Argument"). Décidément, ces renards flottants sont de véritables enchanteurs, des troubadours mystiques du XXIème siècle.

Dimanche 18 septembre : Après plusieurs mois de recul maintenant, je modifie mon avis.

Ce disque, je l'écoute peu en fait et cette musique me lasse. La magie qui émanait du premier album éponyme est abscente de celui-ci. Malgré un savoir faire indéniable, “Helplessness Blues” ne m'emballe pas. Mais je continue de croire en eux, d'écouter "Fleet Foxes" ou "Sun Giant EP" et je serais surement curieux de découvrir le prochain, à condition qu'ils évoluent.      

Bill Callahan “Apocalypse” Drag City * * * * * *   *  

Jadis Smog puis (Smog), il a repris son véritable nom depuis quelques enregistrements : Bill Callahan ! Mais malgré ces multiples identités, une chose reste constante : le talent. Après « Sometimes I Wish We Were an Eagle » en 2009, cette « Apocalypse » est de toute beauté. En électrifiant certains passages, en intégrant des guitares slides, des influences blues et rock, son propos s’en trouve que plus fort. Sa voix rocailleuse se prête parfaitement à ces complaintes sur les grands espaces, sur l’état de l’Amérique actuelle. Peut être son meilleur disque !!!

« Source Code » de Ducan Jones (2011)

Le pitch : Un homme (Jake Gyllenhaal) se réveille dans un train de banlieue assis en face d’une jolie femme qui visiblement le connaît bien (Michelle Monaghan). Lui semble comme amnésique. Désorienté, il essaye de comprendre et se rend compte qu’il est dans le corps d’un autre quand tout à coup le train explose. Et il se retrouve dans une sorte de caisson où il apprend qu’il participe à une expérience, « le code source » et qu’il a pour mission d’identifier le terroriste et d’empêcher une autre série d’attentats. Ainsi, on le projette 8 min avant la catastrophe et revit donc toujours la même scène.

Ducan Jones, le réalisateur de « Source Code », n’est pas un inconnu (surtout pour le monde du rock) car c’est le fils du grand David Bowie. Il signe-là son second long métrage après « Moon » en 2009. « Source Code », film de science fiction indépendant, pourrait être le croisement entre « Inception » (le coté SF intello et métaphysique), « Un jour sans fin » (la même scène éternellement vécue), « L’armée des douze singes » (l’histoire d’amour, l’image persistante de la femme, menace terroriste), la série télé des années 90 « Code Quantum » (projection dans un autre corps, voyage temporel) et le film antimilitariste « Johnny s’en va t’en guerre » (ce corps mutilé communicant par signes). Mais réduire ce film à ces références ne serait pas juste car on nierait l’auteur et son univers très personnel.

A / Comment filmer la même scène répétée plusieurs fois, avec des allers-retours passé/présent, sans ennuyer ou perdre le spectateur ????

Ducan Joness’est sûrement posé cette question. Il a su trouver la réponse adaptée.

1 La mise en scène : Elle est très fluide, inventive et n’hésite pas à utiliser des détails très identifiables qui sont bien montrés chaque fois.

2 La même chose mais différemment : Le héros, d’abord perdu (comme le spectateur), comprend petit à petit les enjeux et le mécanisme de fonctionnement, comme les règles d’un jeu de rôle qu’il apprendrait au fur et à mesure. Lorsque le film avance, le héros agit de manière différente et modifie la scène qui devient donc chaque fois unique. Ainsi le personnage principal en devient presque son propre scénariste et même celui du film.

3 En intégrant une passion amoureuse : Au début du film, notre héros se réveille face à cette femme pleine de charme. Il revit donc cette rencontre à chaque fois. Petit à petit, il l’a découvre mieux jusqu’à en tomber amoureux. Ducan Jones rajoute un élément fédérateur qui ouvre un vaste champ des possibles scénaristique afin de pimenter cette fameuse scène samplée tout en humanisant les personnages. En effet, quoi de plus beau et universellement touchant qu’une histoire d’amour. C’est un atout supplémentaire pour accrocher le spectateur et qui permet aussi de faire basculer le film dans un mélodrame amoureux de science fiction.

B / En remontant dans le passé, peut-on infléchir le cours du temps ou est-ce qu’il est impossible de changer ce qui est arrivé ????

C’est l’un des enjeux majeurs qui est au cœur de ce film et la question qui taraude notre héros. Malgré les affirmations du scientifique dirigeant l’expérience, il acquière la certitude qu’il peut réécrire le passé et changer la fin de l’histoire. Ce qui s’annonce au départ comme un bon film de série B prend une tournure d’œuvre complexe remplie de questionnement, un grand film théorique à portée métaphysique. Et tout ça sans jamais renier son rôle de divertissement grand public (mais à budget modéré, à la différence de « Inception »).

Deux niveaux de lecture, deux films pour le prix d’un. Si ce n’est pas un exploit ça !!

Mon titre de Bashung que je trouve le plus puissant, émouvant et épique repris par feu Noir Desir. La voix ô combien sublime de Bertrand Cantat et cette guitare acoustique....Superbe !

Ce morceau est extrait du disque tribute to Bashung qui sortira le 26 avril. Au casting, que du beau monde : Des jeunes rockers (B.B Brunes), certains des ses camarades de route (Noir Desir, Christophe, Gaëtan Roussel, Dionysos) , une star internationnale (Vanessa Paradis), des auteurs appréciés sur ce blog (Keren Ann, Benjamin Biolay, -M-, Miossec, Stephan Eicher), et un autre......euh, sans commentaire (Raphaël).

"Staring At The Sun" - TV On The Radio (2004)

Cet énorme titre, tout de lyrisme volcanique, est le second de "Desperate Youth, Bloodthirsty Babes", la première attaque sonique avec laquelle j'ai découvert ce groupe.

Il résume bien leur musique : tension permanente, montée dantesque, contraste calme/fureur, funk électronique, soul abrasive, (post)rock épileptique, gospel néo-psychédélique, pop avant gardiste et futuriste.

On aurait dit une musique créée sur les décombres de notre civilisation. Une musique issue d'un champ de ruines post-catastrophe nucléaire !!!

Et dire que ce n'était que le premier disque de TV On The Radio. Premier essai et coup de maitre !!

L'avenir s'annonçait pourtant si bien..........