"La Délicatesse" - David & Stéphane Foenkinos (2011) France

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Samedi 31 décembre 2011, séance de 17 h. Je termine mon année (cinéma) en beauté par ce film magnifique, rempli de tendresse, d'émotions et de.......délicatesse. 

 "La délicatesse" est une oeuvre somptueuse à la mise en scène virtuose. Une oeuvre débordante d'inventivité formelle, narrative et scénaristiques, superbement interprétée par d'excellent(e)s actrices/acteurs (sublime Audrey Tautou) aux services de personnages à la psychologie extrêmement fouillée. Un grand film, du grand ART !!!

J'ai débuté l'année avec «Poupoupidou» de Gérald Hustache-Mathieu (MON n°1 cinéma 2011) et je l'a termine avec celui-ci, autre film français. De quoi donner espoir envers le 7ème Art made in France.......donner espoir envers la Création Artistique donc la vie donc l'Homme (car vie et création ne font qu'un, s'inspirent mutuellement).

Espoir, un mot limite ringard de nos jours.....mais tellement important !!! Espoir, sérénité et bonheur pour 2012, pour vous toutes et tous....Je vous les souhaite vraiment de tout coeur !!!!!

« Source Code » de Ducan Jones (2011)

Le pitch : Un homme (Jake Gyllenhaal) se réveille dans un train de banlieue assis en face d’une jolie femme qui visiblement le connaît bien (Michelle Monaghan). Lui semble comme amnésique. Désorienté, il essaye de comprendre et se rend compte qu’il est dans le corps d’un autre quand tout à coup le train explose. Et il se retrouve dans une sorte de caisson où il apprend qu’il participe à une expérience, « le code source » et qu’il a pour mission d’identifier le terroriste et d’empêcher une autre série d’attentats. Ainsi, on le projette 8 min avant la catastrophe et revit donc toujours la même scène.

Ducan Jones, le réalisateur de « Source Code », n’est pas un inconnu (surtout pour le monde du rock) car c’est le fils du grand David Bowie. Il signe-là son second long métrage après « Moon » en 2009. « Source Code », film de science fiction indépendant, pourrait être le croisement entre « Inception » (le coté SF intello et métaphysique), « Un jour sans fin » (la même scène éternellement vécue), « L’armée des douze singes » (l’histoire d’amour, l’image persistante de la femme, menace terroriste), la série télé des années 90 « Code Quantum » (projection dans un autre corps, voyage temporel) et le film antimilitariste « Johnny s’en va t’en guerre » (ce corps mutilé communicant par signes). Mais réduire ce film à ces références ne serait pas juste car on nierait l’auteur et son univers très personnel.

A / Comment filmer la même scène répétée plusieurs fois, avec des allers-retours passé/présent, sans ennuyer ou perdre le spectateur ????

Ducan Joness’est sûrement posé cette question. Il a su trouver la réponse adaptée.

1 La mise en scène : Elle est très fluide, inventive et n’hésite pas à utiliser des détails très identifiables qui sont bien montrés chaque fois.

2 La même chose mais différemment : Le héros, d’abord perdu (comme le spectateur), comprend petit à petit les enjeux et le mécanisme de fonctionnement, comme les règles d’un jeu de rôle qu’il apprendrait au fur et à mesure. Lorsque le film avance, le héros agit de manière différente et modifie la scène qui devient donc chaque fois unique. Ainsi le personnage principal en devient presque son propre scénariste et même celui du film.

3 En intégrant une passion amoureuse : Au début du film, notre héros se réveille face à cette femme pleine de charme. Il revit donc cette rencontre à chaque fois. Petit à petit, il l’a découvre mieux jusqu’à en tomber amoureux. Ducan Jones rajoute un élément fédérateur qui ouvre un vaste champ des possibles scénaristique afin de pimenter cette fameuse scène samplée tout en humanisant les personnages. En effet, quoi de plus beau et universellement touchant qu’une histoire d’amour. C’est un atout supplémentaire pour accrocher le spectateur et qui permet aussi de faire basculer le film dans un mélodrame amoureux de science fiction.

B / En remontant dans le passé, peut-on infléchir le cours du temps ou est-ce qu’il est impossible de changer ce qui est arrivé ????

C’est l’un des enjeux majeurs qui est au cœur de ce film et la question qui taraude notre héros. Malgré les affirmations du scientifique dirigeant l’expérience, il acquière la certitude qu’il peut réécrire le passé et changer la fin de l’histoire. Ce qui s’annonce au départ comme un bon film de série B prend une tournure d’œuvre complexe remplie de questionnement, un grand film théorique à portée métaphysique. Et tout ça sans jamais renier son rôle de divertissement grand public (mais à budget modéré, à la différence de « Inception »).

Deux niveaux de lecture, deux films pour le prix d’un. Si ce n’est pas un exploit ça !!

David Rousseau, un écrivain de polar à succès en panne d’inspiration (Jean-Paul Rouve), se retrouve à Mouthe au fin fond du Jura, pour une vague histoire de succession. Au même moment, une starlette et égérie locale Candice Lecoeur (la sensuelle Sophie Quinton) est retrouvée morte dans la neige de ce village, au cœur d’une zone de non droit, bizarrerie administrative qui empêche toute enquête. La police atteste donc la thèse du suicide. Affaire classée. Classée, pas vraiment pour tous : l’écrivain tout d’abord, qui croit tenir là son nouveau roman ainsi que l’adjoint du shérif local.

Des immenses paysages enneigés, des petits villages perdus au fin fond de la France. Son ennui inhérent, ses hivers rigoureux, l’électricité qui se coupe à cause de la neige, l’isolement des gens, la rudesse de la vie…Tel pourrait être la présentation anti-commerciale de cette région, sorte de non carte de visite touristique. Tel est le contexte de ce film, le décor pour ce faux polar ou plutôt ce polar atmosphérique où l’environnement, l’évolution des personnages priment sur le résultat de l’enquête. Nous naviguons ainsi en pleine chronique sociale et étude socio-psychologique.

Quand l’histoire débute, l’héroïne est déjà morte, les jeux sont faits pour elle. Mais son personnage est pourtant présent tout le long du film, sorte de présence fantôme. Une présence onirique, par sa pensée en voix of ou physique, lors des flashbacks savamment mis en scène. Avec la lecture de ses carnets intimes, on remonte le fil de sa vie et on arrive petit à petit à comprendre ce qui l’a amené à sa perte. Ainsi le film glisse dans le surnaturel, le mystique mais sans jamais l’admettre réellement. Et cela prend un tour encore plus important quand David Rousseau est persuadé du parallèle entre la vie de Candice Lecoeur et celle de……Marilyn Monroe (d’où le titre) ! Il va même jusqu’à croire que ce pourrait être la réincarnation de Marilyn, mais en version Jurassienne, et mettre en évidence tous les éléments semblables entre elle et la vrai Marilyn Monroe (chaque personnage de cette histoire correspondrait à une personne ayant réellement existé dans l’entourage de Marilyn). Folie ou réalité ??? L’intelligence du réalisateur Gérald Hustache-Mathieu est de laisser libre choix au spectateur de croire ce qu’il veut, laissant planer le doute. Le réalisateur va même plus loin dans le bizarre car l’écrivain/héros se sent en connexion avec la disparue et même imagine que si il l’avait rencontré avant, rien ne se serait peut être passé ! Comme une sorte de relation amicale ou amoureuse qui aurait du avoir lieu mais que le destin en a décidé autrement. Une non-histoire d’amour en quelque sorte.

C’est ainsi qu’on en vient, par certaines scènes, aux références avec d’autres cinéastes (que j’admire beaucoup). La découverte de la tête de l’héroïne dans la neige, le climat de bizarrerie ambiant peut rappeler David Lynch et son « Twin Peaks ». Cette enquête dans ces paysages enneigés peut aussi faire penser à « Fargo » des Coen. L’écrivain en panne d’inspiration partant dans des délires quasi mystiques renvoie à « Barton Fink » des Coen toujours ou à « Shinning » de Stanley Kubrick. Ces non-dits, cette non-histoire d’amour comme chez Wong Kar Wai. Mais à aucun moment ces références viennent écraser le film. Ce sont juste des clins d’œil d’un cinéaste amoureux du cinéma.

Vous l’aurez compris, « Poupoupidou » s’amuse à brouiller les pistes et mélanger les genres. Polar, chronique sociale, film atmosphérique et existentiel, réflexion sur la création et ses doutes inhérents, sur la célébrité, la réincarnation, le hasard, etc…Autant de thématiques abordées mais sans qu’aucune soient prioritaires ou qu’elles prennent le pas sur l’histoire.

Le film est magnifié par l’impeccable B.O très atmosphérique signé Stéphane Lopez. Outre ses compositions, il a intégré de magnifiques autres morceaux dont 5 signés du groupe français d’électro trip-pop Ava (belle découverte perso), Spoon, Xénia et sa reprise très inspirée de « I put a spell on you » (1 de mes morceaux fétiches), « California Dreaming » de toute beauté par José Feliciano. Même Sophie Quinton pousse superbement la chansonnette sur « Rewind ». Une B.O à l’image de son film, mélancolique, indé et élégiaque !!!

« Poupoupidou » est le genre de film que j’aime beaucoup : Au début, j’y suis allé sans rien attendre d’extraordinaire. Et sans m’en apercevoir, je me suis retrouvé absorbé par l’histoire pour après me rendre compte de l’expérience que je venais de vivre, de la porté métaphysique et de la réflexion abordée par cette petite œuvre.

Petite, pas par son ampleur et sa qualité mais par son budget et sa médiatisation, ou plutôt sa faible médiatisation. C’est typiquement le type de film dont j’aurais put facilement passer à côté.

Alors, ne faite pas ce que j’ai faillis faire, c’est à dire louper ce film. Un seul conseil : courrez voir « Poupoupidou » ! Vous ne le regrettez pas !!!!!

« Poupoupidou » de Gérald Hustache-Mathieu (2011) * * * * * *   *

L’année artistique 2010, tant au niveau cinématographique que musicale, n’a pas finit de dévoiler de ses richesses. A mi-octobre, dans le sprint final du dernier trimestre, arrive sur nos écrans français un très grand film, un véritable petit bijou du 7^ème Art auquel je dois bien l’avouer, j’ai totalement adhéré. Pourtant, ce n’était pas forcément gagné d’avance. Pas que je n’aime pas David Fincher. Au contraire, je le trouve au plutôt doué mais c’était plus à cause du sujet, de la thématique centrale que du film. Malgré l’engouement autours de ce réseau social et les multiples invitations reçues ou autres sollicitations, je n’ai toujours pas cédé aux sirènes postmodernistes de Facebook. Pourquoi ? Je ne veux pas me ficher volontairement, de mon plein accord, d’autant que j’étais de ceux qui dénonçaient les éventuelles dérives du fichier Etatique Edwige ou tous autres fichages !!!

Autant le dire d’entrée, ce n’est pas un film à thèse traitant essentiellement des conséquences, des enjeux mondiaux ou des dérives de Facebook. Bien sûr, en arrière plan, ces données sont légèrement abordées mais elles ne le sont pas de manière frontale. On peut les deviner et malgré tout, en sortant du film, on ne peut plus voir ce site de la même façon. Ce film n’est donc pas à charge (ou décharge). Il raconte l’histoire d’un jeune homme ordinaire d’origine modeste Mark Zuckerberg, véritable petit génie en informatique qui étudie au sein d’une des universités les plus prestigieuses au monde. Jeune homme ordinaire ? Pas tout à fait car il réussi l’exploit de trouver une idée simple mais révolutionnaire. Une idée totalement en phase avec son époque qui s’avérera, pour cette raison, très pertinente et populaire aussi et surtout très lucrative.

Le réalisateur s’attarde plus sur la genèse de cette idée, les relations humaines complexes ainsi que l’affaire judiciaire qu’elle va entraîner. La mise en scène, d’une redoutable efficacité, très fluide et virtuose, maintient une tension permanente digne des meilleurs thrillers. La construction en flash back, en deux temps (la journée de tractations entre avocats des deux parties et l’histoire de la création et du développement de ce réseau) permet de garder omniprésente cette tension.

David Fincher n’a pas cette désagréable manie très « américaine » et simpliste du manichéisme, hélas très présente dans l’histoire du cinéma U.S. Ce manichéisme consiste à découpé le monde en deux clans : le bien d’un coté et le mal de l’autre (confère l’Axe du Mal cher à Georges Bush). Il ne porte aucun regard moral sur les personnages. Il ne les juge pas. Au contraire, où bien d’autres aurait pu facilement rendre le héros détestable, lui le rend très humain, donc pétrit de contradictions, de paradoxes, d’illusions et de trahisons.

« The Social Network » est aussi un film sur la création en général et pas qu’artistique. Il montre son fonctionnement, comment tout débute par une idée, parfois aléatoire ou due au hasard, et qui se développe petit à petit, en se nourrissant de la vie, du travail des autres.

Fincher démystifie là le processus créatif qui voudrait que les chefs d’œuvres ou les grandes inventions soient le fruit d’une inspiration divine. « Le génie, c’est 10 % d’inspiration pour 90 % de transpiration » nous disait régulièrement ma prof de théâtre. Et le film en est la brillante démonstration. Et cette partie-là du film, la réflexion personnelle que l’on peut en tirée est peut être ce qui m’a le plus intéressé. Je trouve fascinant d’analyser, de comprendre l’acte créatif. Comment nait une idée ? D’où vient-elle ? Qu’est-ce qui nourrit ce processus de création ? Autant de questions qui me travaillent et me suivent depuis longtemps.

David Lynch dit souvent lors d’interview que : « la création, c’est comme un donuts avec un trou au milieu » ?? Mais aussi « Les idées, c’est comme les poissons. On en attrape une, mais sans savoir réellement pourquoi. Le geste créatif consiste à être capable de la saisir et d’en faire quelque chose ».

Et c’est aussi le cœur du débat judiciaire entre le héros et les plaignants. Mark Zuckerberg leur a-t-il volé l’idée, le concept ou au contraire n’a-t-il fait qu’amélioré la sienne avec la leur ??? Et Fincher n’apporte pas de réponse. Il laisse le spectateur libre de se faire son propre jugement. Un peu à la manière de Gus Van Sant pour sa trilogie « Elephant », « Gerry » ou « Last Days », mais la force poétique et esthétique en dessous quand même ! Mais cette absence de jugement moral peut déconcerter ou provoquer la polémique parfois. Et c’est tellement rare dans le cinéma U.S, qui a tendance à tout surligner et moraliser, qu’il est important de le remarqué.

Mais il faut aussi parler de l’excellent travail des acteurs, tous incarnant avec beaucoup de vérité et de justesse leur personnage. En tête, le héros Mark Zuckerberg joué avec un extrême brio par le comédien encore peu connu Jese Eisenberg. Mais aussi son ami, collaborateur et futur directeur financier de Facebook Eduardo Saverin alias Andrew Garfield, la groupie Christy Lee alias Brenda Song. Le plus surprenant, c’est le chanteur pop mainstream Justin Timberlake qui épouse parfaitement le rôle du créateur de Napster et jeune génie de l’informatique Sean Parker. Et bien d’autres encore, tous étant très bons et aucun rôle, même les plus petits, ne viennent affaiblir le tableau final.

Utilisateurs réguliers ou non de ce fameux réseau social, amateurs de films captivants ou simples spectateurs avides de bons films, vous savez ce qui vous reste à faire.

Pour moi, c’est sur, « The Social Network » va marquer mon année cinéma !!!!!!!!

Hier soir, je me suis regardé en DVD "Old Joy" de Kelly Richardt, l'ayant loupé à l'époque de sa sortie cinéma. Ce qui m'a décidé de le prendre à la médiathèque de ma ville, c'est surtout le fait que Will Oldham en est un des deux acteurs principaux (avec Daniel London). J'étais fort intrigué de voir ce vieux loup de Will en tant qu'acteur.

Le pitch : Il est ultra simple. Mark (Daniel London) et Kurt (Will Oldham), ami de longue date, partent camper le temps d'un week-end  dans un magnifique coin de campagne. Mais les deux hommes sont devenus très différent : Mark a une femme et va devenir père et Kurt, toujours insouciant, a beaucoup de difficulté à entrer dans le monde dit "adulte".

 Ce film court (1h13min) se déroule en pleine nature, dans les vastes paysages et grands espaces américains. 100 % Americana, à l'image de la musique de Will Oldham, soit sous son nom ou sous ses diverses speudos (Palace Brothers, Palace, Palace Songs, Palace Musics, Bonnie Prince Billy). Un road-movie mélancolique et sensuel sous fond politique (le débat écouté à la radio lors des trajets).

Lenteur, contemplation, le film prend son temps. On s'enfonce ainsi avec eux pour une excursion "lo-fi" faite de camping, de randonnée, de bains chauds, d'amitié retrouvée par moment mais aussi d'incompréhension, de non-dits.

Avec la musique du groupe Yo La Tengo, lente et envoûtante, ce coté quasi fusionnel à la nature et cette caméra captant alternativement petits détails et grands ensembles dans de superbes   plans, le film glisse petit à petit dans une sorte de trip existentiel, véritable ode à la nature !

Le personnage joué par Will, avec sa grosse barbe et sa vie de loser, semble évoquer autant les laissés pour compte de l'Amérique actuelle que ses pionniers, ses pères fondateurs. Il semble ainsi dire au gouvernement de l'époque du film (Georges Bush) "Mais qu'avez-vous fait de notre Amérique ?"

Oui, où est passé le fameux "American Dream" ? Mais a-t-il existé vraiment un jour ??? Vaste question !!!

De plus, je me suis vraiment identifié à ce personnage de gentil loser, sorte d'adulescent ayant du mal à être un "véritable adulte". Un peu comme dans la partie titré confessions d'un adolescent attardé, du fantastique "Journal d'un album", la mythique B.D de Dupuy & Berberian !!   

"Old Joy" sortie France 25 juillet 2007

réalisation et montage : Kelly Richardt, Scénario : Kelly Richardt et Jonathan Raymond

Directeur de la photographie : Peter Sillen

Musique : Yo La Tengo

avec Will Oldham (Kurt), Daniel London (Mark) et Tania Smith (la femme de Mark)...

L’histoire : Bazil (Dany Boon) n’a pas de chance avec les armes. La première, une mine anti personnelle, l’a rendu orphelin en tuant son père dans le désert marocain alors qu’il était enfant. La seconde, des années plus tard, est une balle perdue dans une fusillade qui vient se loger dans sa tête. A sa sortie d’hôpital, il perd son boulot et se retrouve à la rue. C’est alors qu’il rencontre Placard (Jean Pierre Marielle), un ferrailleur marginal, qui l’accueille au sein de sa bande de pieds nickelés qui vont l’aider à assouvir sa soif de vengeance…..

Quel plaisir de retrouver le cinéma humaniste de Jeunet. Mais il faut être honnête. Son dernier film, « Un long dimanche de fiançailles », m’avait laissé un peu sur ma faim. Il n’avait pas autant suscité mon adhésion que l’avait fait « Amélie Poulain » ou ses deux autres opus réalisés avec son compère Caro. Et cela, malgré un savoir faire formelle indéniable, un super scénar’ et de très bons acteurs. Malgré ces quelques petites hésitations, c’est donc très excité que je me suis rendu à la projection. Hésitations très vite disparues tant le film vous embarque dès le début pour ne plus vous lâcher avant sa fin. L’histoire, bien que partant dans tous les sens, est d’une rigueur inouï à l’humour jubilatoire. Avec un tel matériau, les comédiens, tous excellent d’ailleurs, s’en donnent à cœur joie pour transcender leur rôle. Jeunet et Guillaume Laurant (le coscénariste) ont créés une belle brochette d’éclopés de la vie et de déjantés en tout genre.

Mais, comme à l’accoutumé chez le cinéaste, la forme est somptueuse. Tetsuo Nagata, le chef opérateur, c’est entièrement dévoué à l’univers visuel si personnel du cinéaste. Et, dès les premières images, on reconnait la « Jeunet’s touch ». La photographie très travaillée, dans de magnifiques couleurs chaudes qui semblent comme vieillies, apporte une sophistication esthétisante à cet édifice filmique. Nombre de plans sont d’une virtuosité hallucinante, autant dans leur composition que dans leur originalité. La caméra bouge beaucoup, apportant au film du rythme, mais toujours avec une extrême précision. Tout comme un Wong Kar Wai dans un style plus épuré et contemplatif, Jeunet prouve de films en films qu’il est un des grands formalistes du cinéma contemporain. Et n’en déplaise à ses nombreux détracteurs.

La forme d’un film, c’est la photographie et la mise en scène. Certes, mais c’est aussi le décor. Et là, pour créer le coté bricolo de l’univers de Jeunet, les décorateurs se sont surpassés. Le décor est d’une inventivité hallucinante, notamment pour les scènes se déroulant dans le repère des ferrailleurs. C’est un véritable bric et broc fait de récup’ et d’inventions dérisoires et futiles, sorte de caverne d’Ali Baba « lo-fi ».

Tout cela, et même un peu plus, contribuent à faire de « Micmacs à tire-larigot » un des meilleurs films de l’année…..         

Lynch narre une histoire d’une modernité formelle inouï où début et fin se confonde en toute virtuosité, nous entraînant dans un cauchemar cubiste et psychanalytique au confins de la folie humaine et de la schizophrénie. Un sommet du cinéma des années 90.

Une histoire où début et fin se mélangent je disais, recommencent pour mieux se perdre, nous perdre. Un film, à l’image des étranges K 7 vidéo, à double face.

Face A : Fred (Bill Pullman) habite dans une maison design et glauque avec sa femme Renée (Patricia Arquette). Leur quotidien se voit bouleversé par l’arrivée d’une mystérieuse casette vidéo qui montre leur maison filmée au caméscope. Et tout se détraque quand, le jour suivant, une autre K 7 montre l’intérieur de la maison avec eux-mêmes filmés pendant leur sommeil. Et Fred va rencontrer, pendant une fête, un étrange homme en noir qui lui parle de l’existence de passages spatio-temporels. Dès lors, Fred va, tel Alice au pays des merveilles (ou plutôt horreurs ici), emprunter le chemin sans retour des ténèbres. Et tuer sauvagement sa femme.

Face B : Fred, condamné et emprisonné pour le meurtre de Renée, se métamorphose en Pete, son avatar juvénile, une petite frappe bossant dans un garage. Il y rencontrera d’ailleurs Alice, double de Renée mais blonde cette fois-ci, et entretenir une liaison avec elle. Ainsi débute le second film la face B.

« Lost Highway »est un véritable labyrinthe, un objet visuelle non identifié. Déjà avec « Sailor & Lula » et « Twin Peaks », Lynch avait posé les bases de son univers onirique, fantasmatique et totalement américain. Mais là, il passait un cran au dessus, dynamitant au passage les codes du film noir et explorant plus profondément la psyché de sa société. Film à deux faces, film du dédoublement :

-       De la personnalité de Fred. Pour raconter sa schizophrénie, Lynch n’a pas besoin de long discours. C’est dans la forme alambiquée de ce film qu’elle s’exprime, s’incarne et prend vie.

-        Des personnages, comme Renée et Alice, interprétée par la même Patricia Arquette, blonde pour la première, brune pour la seconde.

Un film où fond et forme se confondent. Mais c’est aussi un film rempli de symboles, de métaphores que Lynch prend soin de ne pas expliquer, laissant au spectateur son libre arbitre, son imaginaire travailler. Au risque de le déstabiliser au passage. Un film multiple, où toutes les tentatives d’interprétations sont possible.

L’univers formel quasi clinique, cubiste et glauque de la face A, du premier segment, laisse place à un univers plus coloré. Esthétique du double. C’est en grand plasticien, aidé de son chef opérateur Peter Deming, qu’il compose ces plans, sorte de tableau en mouvements où se retrouvent pêle-mêle les influences de Hopper, Bacon et les cubistes.

Un film à la mise en scène nerveuse, épileptique et rock’n’roll. La musique et le son chez Lynch sont essentiels. Il travaille ce matériau avec soin, augmentant ainsi le suspens et la tension à chaque instant. Comme la scène où Fred et Renée découvrent

la K 7 vidéo. Rien qu’a la musique et aux sons, on ressent le danger, le malaise. Nine Inch Nails, Marylin Manson côtoient Bowie et la partition du coutumier Angelo Badalamenti.

Comme dans un cauchemar éveillé, on ressort de ce film, à la forme organique comme le jazz électrique de Miles Davis, lessivé, KO et interrogatif. C’est une véritable expérience de cinéma dont on ne saisit que vaguement le sens (ou les sens). N’est-ce pas cela, un chef d’œuvre ? S’en a tout l’air !!!!!!

"There will be blood" de Paul Thomas Anderson (2008) :

Grande fresque du début du capitalisme et de la ruée de "l'or noir" sur la terre Americana. Les racines du mal !!
Fin 1800, Etats Unis d'Amérique. Grandeur et décadence d'un pionnier du pétrole, Daniel Plainview, des débuts très modeste de son entreprise jusqu'à l'avènement d'un mini empire pétrolier.

En ce début d'année, trois films américains sorties sur nos écrans revisitent les vastes terres de ce pays : "No country for the old man" des Coen, "Into the wild" de Sean Penn et celui-ci. Trois films ayant pour point commun les grands espaces américains, ces étendus pleines de promesses, sortes de néo western. Mais celui-ci s'attache à d'écrire la grande histoire, celle avec un grand H, l'histoire des origines de la modernité.
Un nouveau western donc, mais où les chercheurs de pétroles ont remplacés les cow-boys et le pétrole, quand à lui, le bétail. Une chronique sans concession du début de l'ère industrielle et de son besoin frénétique d'or noir, tel un ogre avide de chair fraiche. P.T.Anderson, en adaptant le livre d'Upton Sinclair, analyse et démontre ici du capitalisme, de la cohabitation malsaine d'un trio antagoniste : politique, économie et religion. Car dès le début, la religion (plus une secte dirait-on en France) joue un rôle principale. Garant des soit disant vertus morales, le pasteur prédicateur veille à tenir bien docile "le troupeau", sorte de berger protecteur. Le héros (Daniel-Day Lewis/Daniel Plainview) entretient avec le pasteur (Paul Dano/Eli Sunday) des rapports ambigus. Tour à tour ami et ennemi, c'est un peu l'alliance contre nature entre le bien et le mal (ou vice-versa), le matériel et le spirituelle. Et ainsi, en remontant le cour de l'Histoire, le film nous éclaire sur l'actualité (la guerre en Irak par exemple), sur le pourquoi de l'omniprésence du religieux et du capitalisme au U.S.A !
Après le fond, parlns de la forme. Ce film est très expérimental malgré que se soit une production Hollywoodienne. Il débute ainsi par vingt minutes, très audacieuses, sans aucuns dialogue. Juste les sons et la musique. Une musique dissonante comme des "drones" perdus de My Bloody Valentine, bizarre, aérienne, recouvrant même parfois les dialogues et les bruits. Très recherchée, novatrice, elle acompagne parfaitement les personnages tout au long du film, suivant ainsi leurs doutes et leurs errances. Et, comme chez le génial David Lynch, elle est un élément dramatique à part entière. Très inspiré, c'est le Radiohead J.Greenwood qui l'a composé. Le travail sonore, époustouflant, évoque un autre grand film historique dément et barré, à la beauté "malade", le "Krousthaliov, ma voiture" du Russe Alexeï Guerman !
Certaines scènes sont sous-exposées, comme nimbées dans un voile de mystère. Et la mise en scène virtuose de P.T.Anderson magnifie le scénario, l'histoire et le jeu des acteurs. D'ailleurs, ils sont tous exceptionnels, à l'image de la prestation époustouflante de Daniel-Day Lewis. Magistrale, c'est une leçon de jeu, très "Actors Studio", dans ses excès, sa gestuelle et sa façon d'être le personnage. De même pour Paul Dano, qui incarne ce pasteur illuminé et cynique, véritable "fou" de Dieu !

Politique, historique, virtuose, "There will be blood" est certainement une des plus grandes oeuvres cinématographiques sur la nation AMERICA. A ne pas louper ! Justement, aucune excuse, il est sorti en DVD.